學位論文
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Item 穆梭斯基《展覽會之畫》之分析與演奏詮釋(2024) 吳懷萱; Wu, Huai-Xuan《展覽會之畫》為俄國作曲家穆梭斯基 (Modest Mussorgsky, 1839-1881) 之鋼琴組曲，這部作品以其獨特的音樂風格描繪畫展中的畫作。 本文將探究十九世紀末俄國歷史、音樂發展以及穆梭斯基生平，另外深入分析《展覽會之畫》作品分析以及演奏詮釋。全文共八個章節，第一章為緒論；第二章為研究動機與目的；第三章探討十九世紀後半葉的俄國歷史背景，並剖析穆梭斯基的生平、音樂風格和特色；第四章闡述《展覽會之畫》的創作背景、穆梭斯基和畫家哈特曼 (Victor Hartmann, 1834-1873) 的關係以及樂曲的創作和出版；第五章則詳細分析樂曲結構，並探討標題與畫作之間的關聯；第六章逐一分析《展覽會之畫》中各個樂章，並作演奏詮釋的分析；第七章比較穆梭斯基鋼琴版本與拉威爾的管弦樂版本差異；第八章為結論，總結論文並對穆梭斯基的音樂影響進行概述。 整篇論文依循著穆梭斯基音樂作品《展覽會之畫》的結構，深入剖析這部作品背後的歷史、故事和音樂意義。Item 印象樂派作品研究 –以德布西《為鋼琴的》與拉威爾《庫普蘭之墓》選曲為例(2022) 洪琬宜; Hung, Wan-Yi十九世紀的法國歷經普法戰爭後，在音樂界形成振興昔日光輝的一股風潮，除了注重傳統的器樂音樂，也逐漸發展新穎的創作手法，企圖擺脫日耳曼音樂風格的影響。於 1871 年成立「國家音樂協會」 ( Société Nationale de Musique )，並激勵當時的作曲家進行創作，在音樂創作上發展出三種風格，國際音樂 ( Le Style International )、溫和浪漫 ( Romantisme Modéré ) 和印象樂派 ( Impressionism )，其中印象樂派的興起受到繪畫的印象主義影響，以光線與色彩變化成為當時法國音樂發展的特色。阿希爾-克勞德・德布西 ( Achille- Claude Debussy, 1862 – 1918 ) 與約瑟夫-莫里斯・拉威爾 ( Joseph- Maurice Ravel, 1875 – 1937 ) 同為印象樂派的代表作曲家，在承襲法國傳統音樂之際，也以獨特的創作手法發展出音樂的新道路，在創作語法上兩人具有各自的特色；筆者以兩位作曲家致敬巴洛克樂派鍵盤組曲的鋼琴作品《為鋼琴的》、《庫普蘭之墓》作樂曲分析與詮釋之探討，分別選自兩部作品中的〈前奏曲〉、〈觸技曲〉，以及法國在十七至十八世紀盛行的兩種慢速舞曲〈薩拉邦舞曲〉、〈佛拉納舞曲〉，由曲式架構、調性、和聲與素材等創作手法比較兩位作曲家的創作特色。Item 拉威爾鋼琴作品《庫普蘭之墓》詮釋報告(2012) 王佳音在十九世紀末期，由聖賞斯、法朗克、及佛瑞等法國作曲家成立「國家音樂協會」(Société Nationale de Musique)，打著「振興法國音樂」的口號，走向與德奧音樂不同發展的路途，也使法國音樂發展更為蓬勃。而身處於兩世紀之交的拉威爾，既承襲了優雅、細緻的法國音樂傳統，源自母系血統的西班牙文化元素，同時也兼具時代性的潮流如爵士素材的運用、新古典主義(Neo-classicism)傾向等於作品之中，造就他獨特的風格。拉威爾與德布西同屬於「印象樂派」(Impressionism)，兩人和聲語法相近，但在處理手法上會稍有不同；此外，與德布西相較之下，拉威爾更多地使用古典曲式來創作，且鋼琴作品更具炫技性。 以「墓」作為標題具有「以詩或音樂對某人致意」的含義。在此，拉威爾以《庫普蘭之墓》向巴洛克時期、光輝的法國音樂致意，也對在第一次世界大戰中逝去的朋友們表達悼念之意。《庫普蘭之墓》以巴洛克組曲為原型，包含〈前奏曲〉、〈賦格〉、〈佛拉納舞曲〉、〈黎高冬舞曲〉、〈梅呂哀舞曲〉、〈觸技曲〉等六首流行於十七、十八世紀的曲種，在仿古的曲式上，拉威爾加以現代感的和聲來闡述這首作品，帶出新的風貌。 為更深入了解作品，本文也就樂曲分析及詮釋法來作討論。曲析方面將以每首樂曲的組織架構、主題及素材的使用、和聲進行、寫作手法等作觀察與分析，並歸納出拉威爾在此作品中所慣用的特點。在詮釋法部分，筆者以自身練習經驗與上課心得，輔以書籍與錄音資料作為參考，以期表達出筆者對樂曲的理解與詮釋。最後也結論出《庫普蘭之墓》的歷史意義及代表音樂風格。Item 拉威爾鋼琴作品《鏡》詮釋報告(2014) 李明姿; Lee, Ming-Tzu隨著民族意識的抬頭，復興民族文化的呼聲於十九世紀末逐漸高漲，此時正是影響法國音樂的發展的歷史關鍵時刻，摩利斯‧拉威爾( Maurice Ravel, 1875-1937)在音樂創作中流露出獨特性與藝術性，成為樂界矚目的焦點。曲集《鏡》( Miroirs, 1905)於拉威爾眾多作品中具有相當的重要性，其和聲的多彩繽紛、與樂句之間的層次變化，真切地將樂曲標題欲傳達的意象呈現出來，每首樂曲猶如一幅幅精緻的畫作將景色嶄露於音樂中。這五首作品標題分別為〈夜蛾〉( Noctuelles)、〈悲傷的小鳥〉( Oiseaux tristes)、〈海上孤舟〉( Une barque sur l'océan)、〈小丑的晨歌〉( Alborada del gracioso)、〈鐘谷〉( La vallée des cloches)，曲集中的音樂就像鏡子一樣，將各首標題敘述的景象或意念反映出來。 在研究此作品時，筆者先就拉威爾身處之背景環境、其音樂風格做資料整理，爾後探究其樂曲素材運用，接著進行演奏詮釋之討論，最後就有聲資料的參考比對，作為對於一樂曲有最精確、細膩演繹的參考。Item 拉威爾鋼琴作品《加斯巴之夜》詮釋報告(2013) 劉依亭; Yi-Ting LIU摩利斯‧拉威爾(Maurice Ravel, 1875-1937)為法國印象樂派的代表作曲家之一，他身處於兩世紀之交的動盪時代，受法國學院式的厚實訓練和文學、繪畫等藝術之薰陶，在延續法國音樂傳統的同時，融合其他各類型的音樂語彙建立個人獨特的音樂風格。 鋼琴家柯爾特(Alfred Cortot, 1877-1962)曾讚嘆鋼琴作品《加斯巴之夜》：「作曲家創作了最驚人之器樂作品，豐富了我們這個時代」。拉威爾受到十九世紀前期法國詩人阿洛伊休斯‧貝特朗(Aloysius Bertrand, 1807-1841)的詩集《加斯巴之夜：林布蘭特及卡洛特式的幻想集》(Gaspard de la Nuit: fantaisies à la manière Rembrandt et de Callot, 1836)所啟發，將詩篇中充滿浪漫與幻想的文字化為極具炫技性的三首樂曲，分別為〈水妖〉(Ondine)、〈絞刑台〉(Le Gibet)、〈史卡波〉(Scarbo)。整首作品彷如工藝品一般細緻、華麗，又因其繁複困難的表現技巧，不僅為法國鋼琴作品立下里程碑，亦被後世公認極具挑戰性，成為比賽角逐首獎的常見曲目。 為了深入了解此作品與拉威爾，筆者先探討十九世紀法國音樂、文學與繪畫對拉威爾的影響，以及拉威爾的生平、音樂風格等，之後探究鋼琴作品《加斯巴之夜》其創作背景，並就旋律素材、和聲變化、結構與曲式等作樂曲解析。以上述的研究做為演奏詮釋的參考，並融合筆者個人練習方法、課堂心得、臨場演奏經驗與錄音資料，陳述筆者對此作品的理解與詮釋。