藝術學院

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國立臺灣師範大學藝術學院(以下簡稱本院)成立於民國71年8月(1982年8月),將原文學院美術學系、音樂學系,與工藝教育學系合併為藝術學院。87學年度,工藝教育學系(科技應用與人力發展學系)改隸科技學院,本院其後陸續增設設計研究所、民族音樂研究所、表演藝術研究所、藝術史研究所、視覺設計學系。96學年度,音樂學系、民族音樂研究所及表演藝術研究所合併改制為「音樂學院」,本院成為以視覺藝術創作、研究為主體之教育單位。101學年度將視覺設計學系學士班﹑工業教育學系學士班-室內設計組及設計研究所整併為設計學系,本院即由美術學系、設計學系及藝術史研究所等三大系所組成。

美術學系始創於民國36年,當時為本校前身「臺灣省立師範學院」所設置的三年制美勞圖畫專修科,民國37年擴編為藝術系,民國56年藝術系改隸於「國立臺灣師範大學」並更名為美術學系,為國內歷史最為悠久之高等美術學府,多位早期國畫或西畫大師皆任教於此;美術系館內有設備完善之德群畫廊、專業教室、豐富藏書之圖書室及歐洲進口大型石膏像及其他各項教學設備。

設計學系學士班課程以「多元化」之教學規劃,碩博士班課程為設計高度實務應用,以「創作導向」作為研究模式,導入管理、企劃、行銷、政策等高階設計整合性課程。空間設有整合與創新設計、圖像與設計心理、影音剪輯等各類實驗室,並附有多種高階新穎之設備。系級中心-「文化創藝產學中心」為提升本校文創產業的競爭優勢,提供美學經濟加值之專業服務。

藝術史研究所成立於97學年度,設有西方藝術史及東方藝術史等兩組專業,西方藝術史組課程,涵蓋十五至二十一世紀西方繪畫、建築與工藝等藝術;東方藝術史組,包含書畫與視覺文化、工藝與建築、亞洲藝術與交流、台灣藝術等四大領域。購置Gernot Prunner Library所藏豐富的圖書,及各類藝術圖書,為國內擁有最豐厚的亞洲藝術史以及西方近代藝術史研究圖書資源的學術機構之一。

各領域課程

科系 學士班 碩士班 博士班 在職專班
美術學系 -國畫組
-西畫組
-藝術產業學分學程
-國畫組
-西畫組
-美術教育與美術行政組
-美術理論組
-美術創作理論組
-水墨畫
-繪畫
-文物保存維護科技
-美術教育與美術行政暨管理組
-美術理論組(含新媒體科技藝術)
-藝術行政暨管理班
-美術創作班
-國畫組
-西畫組
設計學系 -視覺設計組
-產品設計組
-生態藝術與科普傳播學分學程
-室內設計學分學程
-視覺與媒體設計組
-產品與服務設計組
-不分組 -設計創作班
藝術史研究所 -東方藝術史組
-西方藝術史組

院級特色中心及展場

98年12月在教育部及校方支持補助下成立院級中心-「文物保存維護研究發展中心」,具有全國頂尖的現代化修復設備,置具完整功能之修復室與教學空間,培育本校優秀之文物修復與研究人才。為推展版畫藝術,103年10月本校廖修平講座教授捐贈成立院級「國際版畫中心」,提升臺灣版畫藝術在國際能見度及專業交流平台。 本校展覽場地包含美術系德群畫廊、設計系青田十六及本(107)年度成立之師大美術館,該館典藏本校3千餘件校友留校珍貴畫作,並具現代化設備,提供國際水準之藝文交流平台,亦期為未來本院學生實務學習與研究之場域。

師大藝術節 - 創”藝”氛圍 點亮師大生活圈

本院自1994年起舉辦一年一度師大藝術節,系列活動於3月底為藝術節起跑熱場,活動延續至6月,以視覺藝術形態呈現多采多姿的藝術節。以學生創作為主體之開幕系列活動包含創藝市集、人體彩繪、人像速寫、裝置藝術、商圈聯展及各式手作工作坊等。另整體活動包含國際交流展、研討會等,藉此拓展國際合作契機,也呈現各系所特色發展。師大藝術節為本校年度盛事,活動的舉辦增進師大校園與社區鄰里間的互動,並帶動校園及整體師大生活圈藝術氣息。

國際學術交流

本院近年來積極與海外相關視覺藝術領域院校進行交流互訪,簽署學術合作協議,延聘優秀國內外師資,聯合舉辦跨國美展、學術合作計畫、國際學術研討等實質性學術交流,鼓勵學生參加國際競賽,並吸引諸多外籍學生前來本院研讀進修。
簽署院系所級學術合作學校──
大陸地區:中央美術學院、上海大學美術學院、蘇州大學藝術學院、浙江大學人文學院藝術學系及美學與批評理論研究所、廈門大學藝術學院美術系。
亞洲地區:日本東京藝術大學美術學院、韓國同德女子大學藝術學院、韓國成均館大學設計學系、泰國藝術大學繪畫、雕塑與平面藝術學院。
歐美地區:瑞士西北應用科學及藝術大學藝術與設計學院(前巴塞爾設計學院)、捷克布爾諾理工大學機械工程學院、德國帕德柏恩大學有形與無形文化資產研究所、英國西英格蘭布里斯托大學(電影製作系、平面設計系、動畫製作系、攝影系)。

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    肉身運輸-白書豪繪畫創作論述
    (2024) 白書豪; Bai, Hsu-Hao
    本研究關注現代人的處境,筆者既做為現代都市生活的一份子,又是漫遊在其中的觀察者,透過大眾運輸中等待的身體,反思人與人之間的關係、人與世界的關係。大眾運輸身體的存在狀態,經常不是自在且自為的,而是受到各方外力影響而產生的身體處境,有來自資本累積對身體空間的擠壓;來自虛擬超越現實帶來的空洞;來自身體距離不可把握造成的疏離;來自網路鏡面多對一的規訓;來自人際間的不確定感以及肉身感知的顫抖。我們處於被虛擬擾動的時代,聲光刺激吸引並改變了感知與行為,掏空了身體在場的意義,使移動成為起點與終點、點對點的機械式肢體行為。然而身體既受虛擬刺激的碎片化拉扯,又被感知牽引回現實,於是處於虛擬與現實交織中的顫抖張力,彰顯出肉身在虛擬與現實拉扯中的存在狀態。筆者透過非可見色彩與線條的二重性,揭示肉身在規訓與感知交織中的漂泊。一方面,線條作為輪廓,劃定邊界,反映規訓的秩序;另一方面,作為空間表面,其扭曲與延展則撕裂穩定,向空間場開流佈,開啟重構的可能。筆觸的變化展現肉身邊界的不確定性,使其在凝視與流動間擺盪,線條遂成為解放的語言,彰顯肉身在異化與重塑中的感知本質。同時,筆者透過研究探討繪畫的本質與當代意義,反思繪畫在藝術脈絡中的角色及其必要性,並直面杜象以後藝術脈絡中創作成立的問題,探索繪畫做為藝術的邊界、限制與可能性。筆者認為繪畫不應該只是簡單的反映生活本來的面目,而應該善用它的雙重特性,即社會事實與自主性,反思現代社會同質化的影響,並使藝術挑戰主流規範,希望透過創作提供一種不受社會主導力量支配的另類生活視角。
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    花間漫遊—劉金治繪畫創作研究
    (2024) 劉金治; Liu, Chin-Chih
    花,作為一種短暫而獨立自在的生命體,它們很普遍地存在於我們的日常,總能沉靜而有力地傳達情感,並且觸動人們最深層的感知。觀看一朵花,也正觀看著綻放、枯萎和消逝的時間記憶。筆者從觀照「花朵的有限時間」出發成為創作動機,以「枯萎的詩意美學」作為創作的核心,用「漫遊者」的視角,觀看世界、關懷生命。花間是人間的縮影。時間的流變,見證花朵的枯萎與事物的消逝,使人感受「年年歲歲花相似,歲歲年年人不同」的人間現象。對於生命本質的探討以繪畫創作的美感詮釋,表達時間與感知的相對性;呈現花朵由不同時間,不同角度觀看的多種面向,期以藝術表現的形式帶出一種正向與療癒的力量。本篇論文共分五個章節,第一章緒論,說明研究動機與目的、研究方法和範圍。第二章花隱花現,從學理中深入探討生命的存有與虛無,紛亂與和諧。並解析各時代藝術家的作品。第三章藝術與生命的對話,說明「花間漫遊」之創作核心、創作內容與形式。第四章創作實踐,闡述理念、媒材、技法,並對作品做深度的剖析。第五章結論,檢視創作過程的內心轉折與未來在藝術創作路上的前瞻與展望。
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    不存在的存在--何瑪麗繪畫創作論述
    (2024) 何瑪麗; Ho, Mali
    本論述以「不存在的存在」為主軸,探討筆者在多國旅行中所經歷的文化衝擊、大自然壯麗、與古文明遺跡對心靈震撼的經歷,啟發了筆者對時間與空間交錯的思考,聯想宇宙中可見與不可見的存在。在旅行中以第三者視角觀察宇宙萬物,進而思考異次元空間、外星生物,以及他們與地球的關係。將旅途感受與聯想轉化為作品,以隱喻方式探討那些看似不存在卻又彷彿存在的景象。作品展出得到許多觀後反思的回饋,成功的引發觀賞者的思考與想像。本論文分五個章節:第一章「緒論」講述研究動機與目的,因旅行與大自然景觀、古今建築文化遺產對話所產生的感受與聯想,闡述創作的研究方法及架構,並對關鍵詞進行詮釋;第二章「創作學理與文獻分析」梳理相關的文獻資料和藝術家作品,分析探討其表現與詮釋;第三章「創作理念與創作歷程」論述創作理念、內容與形式,記錄個人創作經驗,詳述各階段創作步驟和媒材技法供參考;第四章「不存在的存在作品解析」就作品說明其創作論述;第五章「結論」總結創作歷程回顧執行成效與展望未來創作。
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    適性閱讀使用者經驗評量建置
    (2024) 張丹; Zhang,Dan
    為順應知識經濟與科技發展的潮流,減少學生的閱讀困擾,開發符合使用者需求的閱讀輔助工具,本研究及研究團隊(臺灣師範大學華語文與科技研究中心)對「SmartReading—適性閱讀(SR)」網站重新進行了設計。本研究通過使用者經驗問卷(User Experience Questionnaire ,UEQ)對新版SR網站之使用者經驗進行評估,結果顯示SR的使用者經驗處於平均基準線之上,但UEQ無法測量到更多SR的使用者經驗細節,且目前尚未有適合的評量工具。因此,本研究進一步將閱讀機制理論及使用者經驗理論相結合,建置了「適性閱讀使用者經驗量表」。量表經因素分析後萃取出五個構面,依內容特性分別命名為「經驗動機、經驗預期、經驗操作、經驗感受、經驗刺激」。量表經信、效度檢驗後,結果顯示內部一致性良好,且具有良好的建構效度,是一個符合實證的研究模式。本研究進一步對SR使用者經驗設計之心流影響進行了測量,結果顯示:使用者、工具、任務變項均對心流體驗有正向顯著的影響力;心流體驗對心流影響有正向顯著的影響力;使用者、工具、任務三個變項皆透過心流體驗而間接地對心流影響有正向顯著的影響力。綜上所述,新版SR網站在使用者經驗設計領域提供了設計實務之貢獻;量表的建置為使用者經驗研究豐富了評量工具之貢獻;SR使用者經驗設計之心流影響為上述兩項研究提供了實證研究之貢獻。
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    夏爾·勒布朗作品中的聖家:十七世紀法國的宗教主題畫作
    (2024) 鄭欣恬; Cheng, Hsin-Tien
    夏爾˙勒布朗(Charles Le Brun, 1619–90年),身為法國國王路易十四(1654–1715年)的首席畫家及法國皇家繪畫與雕塑學院院長,是法國巴洛克時代早期古典藝術的縮影。本文的研究對象是他的一組聖家畫作,迄今為止受到的學術關注相對較少。這些畫作創作於17世紀中葉左右,勒布朗的學生克洛德三世˙尼維隆(Claude III Nivelon, 1648–1720年)在1690年代撰寫的傳記《勒布朗先生作品描述》中對其進行了記載。這些作品可被視為十七世紀法國廣泛流行聖家這一圖像主題的重要例證。本研究的目的是運用圖像和風格分析的方法來研究這一特殊題材的風行程度。更廣泛而言,本文會以反宗教改革的背景分析這些作品的圖像,其在16世紀中葉後從羅馬傳播到歐洲的天主教國家。自此之後,為了符合特倫托大公會議(1545–63年)提出的要求,新的圖像題材受到推廣。夏爾˙勒布朗周圍流行的宗教和思想潮流便成了需要探討的對象。接下來,畫家創作靈感的來源也會受到探究。因此,將對文藝復興晚期至巴洛克早期的義大利、法國和佛蘭芒繪畫進行研究。而論文最後的部分將探討勒布朗對圖像學的獨特貢獻。
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    見觀經圖:影像世代的東方媒材創作
    (2024) 郭雅倢; Kuo, Ya-Chieh
    五感,是主體認識外在世界的重要感官系統,而視覺又與平面藝術最為相關。隨著人造影像鋪天蓋地的佔據視野,創作思維、議題關注與形式等,於東方媒材創作有著怎樣的表現,是筆者專注所在。藉著社會學家的論述,深刻審視半虛擬社會下的生活樣態與心理感受,進而探討當代東方媒材創作者的與影像社會的互動,乃是第二章的內容。在第三章,筆者回歸自身創作思維與形式的反思。「以類古典形式統合日常奇異影像」之創作模式為筆者面對碎片化社會的方式,其中關於「類古典」的探討,筆者借鑑了十七至十九世紀,傳往日本並接受文化交匯的畫譜、技法書著作。以當代人後見的視角而言,這些內容正處於現代視覺形式與古典視覺形式的交叉口,透過探討線條、造型、漸層與反覆等視覺元素在和刻本、當代視覺經驗、筆者自身創作中的詮釋角度、形式差異,理解類於古典又或者趨向當代視覺的決定性因素為何、如何依據作品表達需要良加運用、筆者對東方媒材又抱持什麼樣的認知,是本章的重要探討。至於第四章,則進行個別系列作品的發展軌跡與思維釐清,以客觀反思的方式確認個人思維與作品形式的對應關係;最後於第五章結論。本文借上述研究,對自身所處社會文化、藝術脈絡節點進行觀察與理解,以跳脫創作的主觀與直覺性,並協助未來的創作深化。
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    中國大陸小學藝術本位跨領域課程與教學之協同行動研究:以「紹興鑑水」為例
    (2024) 毛巧; Mao, Qiao
    本研究基於人類世時代、跨領域課程浪潮、以及藝術教育新轉向背景下,旨在發展一個適用於中國大陸小學的藝術本位跨領域課程方案,引發學生思考個人與水資源之關係,激發學生關懷環境之意識與行動,同時為一線教師提供相關課程之經驗。採取協同行動研究,選取中國大陸浙江省紹興市Y小學五年級(四)班32名學生為研究對象,協同美術、語文、科學三個領域教師,以「紹興鑑水」為主題,發展與實施藝術本位跨領域課程,實踐聯合國永續發展學習目標6:潔淨水資源(SDG6)。透過觀察、訪談等方法,蒐集課堂觀察記錄、訪談記錄、學生學習單、學生作品、評量表、前後測問卷、教師教學省思、研究札記等資料,並進行整理、解釋與分析,從課程發展模式、教學歷程與特色、學生學習成效、教師專業成長與挑戰等方面展開探究與討論,並撰寫研究結果與討論,提出研究建議。研究主要結論:一、「紹興鑑水」課程方案,融入SDG6,參考台灣跨領域美感課程,結合中國大陸2022版課標,發展出藝術本位跨領域課程模式,具有可行性。二、「紹興鑑水」跨領域課程之教學特色為,採取「3P教學策略」與「評量即是學習」,提升了教師教學與學生學習之成效;三、「紹興鑑水」跨領域課程激活了學生之學習力,提升了學生之文化理解、審美感知、藝術表現、創意實踐等美術核心素養,以及批判性思考、跨領域能力、問題解決能力等;學生關心、保護水資源之知識、情意、行動,隨著課程之推進逐漸增長。四、藝術本位跨領域課程發展與實施促进協同教师之專業成長,三位協同教師之跨領域課程意識與教學信念不斷增強,學生觀發生轉變,重新認知學生的學習風格與需求。研究建議:一、課程層面,從本土連結國際,繼續推動藝術本位跨領域課程實踐SDGs。二、教師層面,教育部門加強跨領域課程培訓,學校行政與家長需積極支持藝術本位跨領域課程開展;教師需提升跨領域教學素養以及行動研究的能力。三、未來研究,擴大研究對象教育階段與參與人數,採用質性與量化混合之方式,探討藝術本位課程之成效;亦可深入探討藝術本位跨領域課程之評量。
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    當代卑南族服飾文飾美學意義及其創新運用之研究
    (2024) 李飛曄; Lee, Fei-Yeh
    近百年來,臺灣歷史發展歷經外來殖民政權統治,長期殖民文化治理下,原住民族工藝與藝術相形邊緣而未受重視,使得部落傳統工藝文化出現嚴重斷層。原住民族服飾具有傳統工藝技法與族群文化意涵,傳統服飾文飾涵藏的是整體族群如何觀看與詮釋自己的文化,文飾是一種文化符號,是更深一層的指出其脫離裝飾表現功能,成為具文字語言意義的敘述表現,是一種深入瞭解族群文化的方式。從服飾文飾發展過程中,我們發現,從文飾的母題發展到視覺表現,展現了族群視覺判斷與心理特質。因此,本論文的題目為「當代卑南族服飾文飾美學意義及其創新運用之研究」,針對卑南族祭典儀式所穿著的服飾,探討卑南族服飾文飾的美學意義與創新運用,以文飾的文化意涵為基礎,延伸發展出文飾創新的可能。本研究分為四個重點進行討論:第一,卑南族服飾文飾的圖文系統;第二,卑南族文飾美學形式分析;第三,卑南族文飾美學內容分析;第四,文飾創新運用的理論架構。服飾文飾圖文系統是將現有文飾做基本整理,文飾美學的形式分析以李格爾(Alois Riegl)與羅傑•弗萊(Roger Fry)的學理觀點做裝飾藝術與視覺形式討論,文飾美學的內容分析是以羅蘭•巴特(Roland Barthes)符號學系統與安海姆(Rudolf Arnheim)藝術與視知覺觀點做討論,以美學意義做為瞭解族群文化的基礎,鏈結文飾設計轉化與創新運用,讓文化保存與存續成為可能。當代卑南族服飾文飾的美學意義與創新運用,目的在於深度的瞭解一個族群文化,另一個主要目的在於,從厚實的文化基礎脈絡中建構文飾創新運用理論,本論文提出的設計模式,旨在提供文創產品設計時的參考依據。本論文試圖藉著這個研究,瞭解卑南族製做服飾文飾的視覺表現與色彩使用,探討文飾與工藝技法的文化意涵,進而發掘來自於人藝術內驅力的裝飾欲望,以及對於整體空間結構與平衡結構的審美心理。
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    受容的歷程──戰後日本美術動向研究
    (2024) 趙悅如; Chao, Yueh-Ju
    本文旨在透過美術評論、藝術家、作品等方向,研究戰後日本美術動向中的「受容」歷程。研究重點分為六個章節:第一章研究堀浩哉與其主導的「美術家共鬥會議」(簡稱「美共鬥」),如何在前衛終結和學運的動盪環境中,扮演他作為美術家的角色;第二章從彥坂尚嘉的《地板事件》系列作品,討論其作品的形成,以及對「戰後日本美術的原創性」質疑的觀點之間的對應關係;第三章透過《封閉著的圓環的彼方──從「具體」的軌跡可以推導出……》一文,觀察戰後日本美術所呈現出的數個面向的問題;第四章以椹木野衣的文章〈封閉著的「圓環的彼方」是?〉為研究對象,透過貫穿全文的「惡性場所」視點,去思考戰後日本美術的發展是否真的處於椹木野衣所提出的「惡性場所」的困境中;第五章探討了千葉成夫的文章〈美術學生的反亂〉,從中觀察千葉成夫在 1980 年代時率先意識、關注到「美共鬥」的討論價值,以及涉及的「美共鬥」相關問題;第六章從光田由里對「反藝術」的相關評論的觀察中,分析在「反藝術」潮流中發生的美術評論。 本研究發現,透過論述間的連結所勾勒出的戰後日本美術樣貌,其背後特有的「受容」特質引導了混血成果,而混血所帶來的自我批判與反省,成為「受容」過程中重要的歷練,對這種「受容」的歷程的觀察,本研究實驗站在堆疊擴散的圓的邊界線上,觀察各個圓的內部及外部的連結性和產生的問題。
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    碧海行旅:柯驎晏的臺灣山水當代實踐
    (2024) 柯驎晏; Ke, Lin-Yen
    本論文以「地方」為出發點,欲以文化地理學的角度探討「臺灣」在藝術史的脈絡中,是如何從一個客觀的地理空間被形塑為今日的文化地方,並審視筆者個人創作時應如何思考對地景的想像。本文共分為六章:第一章先說明為了回應自身創作,透過釐清相關理論和藝術史發展以闡述本文的研究動機,再對研究方法、範圍和使用名詞做了說明及解釋。第二章接著論述學理依據的部分,本段先用文化地理學的視角討論「空間」與「地方」的差異,並進一步解釋「地方」與「非地方」在當代社會進入了交織混融的複雜狀態,再來藉由上述觀念梳理「臺灣本土思維」在臺灣藝術史中之延展,援引代表性的藝術家介紹臺灣藝術從清領時期發展至當代多元的藝術面貌。第三章藉由貢布里希(E.H. Gombrich, 1909-2001)的圖像學研究及形式分析的成果,說明風格及文化養成背景,對於藝術家在創作上的影響。筆者之創作立基於山水畫形式,透過方聞對山水畫空間處理方式的分析,以及爬梳山水的三個空間發展時期,試著理解山水圖式成型的邏輯。第四章以自身創作方法為探討對象,討論創作實踐的過程和皴法的當代意義。第五章,以筆者的作品論述實踐,在地理風土及文化意象上結合臺灣土地意識的創作進程,分為四個系列:實景山水、海景文化意象、海洋休閒活動及生物多樣性,試著以自身發展之「海苔皴」技法描繪出契合臺灣土地的繪畫圖式。第六章結論整合以上論述,闡述未來創作發展的其他可能性及展望。