學位論文
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Item 真實與虛擬空間中的女性樣態(2025) 黃靖淳; Huang, Ching-Chun本文將從歷史背景、文化脈絡、當代社會研究與藝術作品的角度進行梳理與論述。第一章將說明本研究的動機與方法，作為全文的基礎。自第二章起，將以空間與空間觀之間的關係為切入點，探討「具像化的虛擬社會」對人類認知與生活方式所造成的影響。現代社會中，人們透過書籍、網路等多元媒介獲取知識，並從科學、人文、社會等不同層面反思自身所處的環境。若將身體視為一個固定、實體的結構體，則「媒體」便成為塑造當代世界觀想像的重要力量。自工業革命以來，經濟與科技迅速發展，其帶來的變革同時伴隨著混沌與曖昧的雙重特性。第三章將延續第二章對空間的討論，進一步探究真實空間與虛擬空間的交錯如何影響人們的生活與思想轉變。第三章中透過歷史中以男性為主體的社會體制，來探討臺灣女性意識的興起，並以筆者所感受到的當代女性氛圍來進行議題的探討。第四章則聚焦於觀看、幻想、偽裝與整形等行為，來驗證當代女性自我認同的行為模式，本章節中也將列舉透過具有象徵性符號或行為藝術的作品來進一步驗證當代女性在現代社會的如何保持或重新建構自我認同，並進一步探討當代女性在虛擬環境（特別是社群媒體）中所面臨的壓力與挑戰。第五章與第六章為筆者的創作說明，包含說明其創作所使用的媒材、技法與描繪主題。透過其作品中對都市生活中個體內在狀態的描繪，特別是以年輕女性為主角的題材，探討當代女性在都市化環境中尋找自我定位的過程，以及人與都市空間之間的矛盾與融合關係。Item 「殘留的痕跡」—戴語萱創作自述(2025) 戴語萱; Dai, Yu-Shiuan本篇論文以「殘留的痕跡」為題，旨在探討從繪畫的形式、物質性、色彩及感知等面向切入，梳理其內在結構與表現特徵，這些「殘留的痕跡」是創作過程中留下的物理記錄，更是時間、記憶與創作意圖的印證，承載著畫面上留下的印記，重點關注材料、質感、色彩等多重元素在作品中的交織與流動，試圖在作品中創造一種具有詩意與哲思的視覺語境，並進一步探討如何延伸至空間與觀者感知。本篇論文以碩士階段的創作為研究主題，進行分析、實驗、實作及檢討創作過程中的各種變化與發展，創作大致可分為三個系列：「波」、「觸礁」與「殘留」，探討物質性繪畫、自然意象、繪畫的時間性、空間感知等藝術元素。首先，本文將回顧過往的創作，從中梳理出創作動機與目標，並分析在進行創作過程中所遇到的疑問與困惑，隨著對材料與質感的反思，創作方向逐漸轉向不同的實驗領域，從而發現了新的創作面向。在第二章中，聚焦於繪畫的形式、物質性與時間性，從格林伯格（Clement Greenberg, 1909-1994）的形式主義出發，探討觀看條件的轉變與平面性的強調，進而延伸至繪畫作為時間累積與空間對話的場域。接著透過分析物質性繪畫與色域繪畫，探討畫家如何運用色彩、肌理與媒材呈現繪畫的物質特質與時間性痕跡，並回應繪畫如何在色彩場域、物質沉積與觀看流變中建構自身的存在狀態，從而展現新的感知方式。第三章將深入分析創作的媒材脈絡及其應用，並探討畫面視覺語彙的運用與觀看形式與空間的關聯，展示與描述創作過程的思維，創作理念從視覺與材質的互動出發，進一步探討「痕跡」這一元素的視覺表現力，第四章在此基礎上深入分析三個創作系列的實踐與內容，並進行檢討，思考如何通過這一元素展現作品的內在精神及其與觀者的互動，第五章則綜整創作技法與形式語言的發展脈絡，回應「痕跡」作為時間性與感知經驗載體的意涵，並從理論與實踐層面提出未來創作的多向展望。Item 行旅．憶趣—王筱筠的繪畫創作研究(2025) 王筱筠; Wang, Hsiao-Yun本創作研究以「行旅．憶趣」為主題，目的是想讓在旅行中剎那的片刻感動化為永恆的作品。對筆者而言，旅行不僅是筆者在工作之餘，抒發壓力的放鬆管道，在旅行當中看到的風光景色或難忘的時刻，與朋友之間相處的點點滴滴，歡樂的情形等等，這些旅行中的趣事，更成為筆者在繪畫作品創作上的靈感與題材。想藉由創作來記錄大自然的美景，同時能創作出令自己感動也能與欣賞者有共鳴的感覺。所以筆者遂以「行旅．憶趣」作為本論文的研究主題。本論文的探討如下：本論述共分為五章，第一章緒論說明研究動機、目的、方法、步驟與範圍。第二章文獻探討是關於風景畫從寫實到寫意之間的演變、空間詮釋和光影的運用描寫。第三章創作理念與分析談到受名家作品的影響與應用，包括莫內、畢沙羅和希斯里這三位印象主義畫家對筆者的啟發與影響，做一個深入的探討，還有創作理念、美感原理原則和形式與技法分析的說明。第四章為筆者自我作品的分析與詮釋，筆者的創作共分為三個系列，一、遊山系列，二、玩水系列和三、鄉愁系列。本章節會明示出筆者的創作靈感源頭及繪畫創作的技法，並完整地呈現出研究過程中的繪畫形式。最後第五章透過本研究，除了對自己的論述作一個回顧與反思，並展望未來研究中可能的發展方向。Item 碧海行旅：柯驎晏的臺灣山水當代實踐(2024) 柯驎晏; Ke, Lin-Yen本論文以「地方」為出發點，欲以文化地理學的角度探討「臺灣」在藝術史的脈絡中，是如何從一個客觀的地理空間被形塑為今日的文化地方，並審視筆者個人創作時應如何思考對地景的想像。本文共分為六章：第一章先說明為了回應自身創作，透過釐清相關理論和藝術史發展以闡述本文的研究動機，再對研究方法、範圍和使用名詞做了說明及解釋。第二章接著論述學理依據的部分，本段先用文化地理學的視角討論「空間」與「地方」的差異，並進一步解釋「地方」與「非地方」在當代社會進入了交織混融的複雜狀態，再來藉由上述觀念梳理「臺灣本土思維」在臺灣藝術史中之延展，援引代表性的藝術家介紹臺灣藝術從清領時期發展至當代多元的藝術面貌。第三章藉由貢布里希（E.H. Gombrich, 1909-2001）的圖像學研究及形式分析的成果，說明風格及文化養成背景，對於藝術家在創作上的影響。筆者之創作立基於山水畫形式，透過方聞對山水畫空間處理方式的分析，以及爬梳山水的三個空間發展時期，試著理解山水圖式成型的邏輯。第四章以自身創作方法為探討對象，討論創作實踐的過程和皴法的當代意義。第五章，以筆者的作品論述實踐，在地理風土及文化意象上結合臺灣土地意識的創作進程，分為四個系列：實景山水、海景文化意象、海洋休閒活動及生物多樣性，試著以自身發展之「海苔皴」技法描繪出契合臺灣土地的繪畫圖式。第六章結論整合以上論述，闡述未來創作發展的其他可能性及展望。Item 微型中的浩瀚：李怡璇創作論述(2024) 李怡璇; Lee, Yi-Shyuan本研究旨在從探討畫布框架與畫面的協作中，辯證繪畫與觀看間的互為關係。筆者以玻璃球罩的意象取代傳統繪畫中畫框即窗口的概念，試圖形塑出畫面內部的封閉空間，是為一個內部與外部相互辯證的視覺遊戲。藉由將畫布框架比賦於玻璃球之意象，旨在運用平面繪畫靜止不動，且存有於獨立載體之永恆視覺特性，突顯作品作為實在的物件，進而在這個數位圖像高速傳播的時代中，提供觀者安穩的感受，同時也為筆者自身不斷流變的自我意識，提供一個歸屬感。在文獻探討中，首先以圖像學的研究方式蒐集帝王像與宗教畫中的王權寶球或十字聖球符號，梳裡玻璃球的圖像含意，與其材質特性於題材上的詮釋可能。從中意會在藝術中，透明球體作為權力與世界幾何化之象徵意涵，以及其作為觀看媒介的可能，從而輔佐筆者將繪畫作品類比為玻璃球體之意圖。接續以文藝復興時期以降的作品為例，使用風格造型分析法，探討由透視法形塑的空間觀至現代主義的平面性脈絡之演進，體現於造型畫布的使用。從中探求其造型特殊性與題材的畫面視覺呈現間的協作。最後聚焦於圓形畫的歷史脈絡，其功能性與私密性所提供的情感寄託，以導向筆者的創作主軸。筆者試圖跳脫平面繪畫中框架與畫面間的傳統關係，展開一系列的命題；如何將安穩、疏離等抽象矛盾感知以油畫間接技法的具象寫實表現手法呈現；如何以玻璃球的意象取代畫框即窗口的觀念，建構一個同時擁有封閉的內部空間、反射指涉的未知空間與觀者所處的現實空間之三元關係；以及如何激發畫布微型世界中的浩瀚感。從筆者玻璃球圓形畫系列本身的造型意涵分析至畫面元素的構成，闡述筆者如何在矛盾的視覺與精神感知中，試圖探尋一種於框架中的歸屬感。Item 「動．流變」 — 劉憶青水墨創作論述(2024) 劉憶青; Liu, Yi-Ching筆者藉由過往生命的經驗積累，從中體悟到「動與流變」所帶來的思考而發展出系列創作。探討的內容主要是回顧自身生命的過程中，經過無數的動盪與流變的洗練後，從中獲得關於人生觀和哲學性的思考，藉著過去生命歷練中得到的啟發做為筆者創作上的題材與內容。在這些創作題材之中的共通點，就是流變的時空概念，時間與空間是連動的關係，筆者認為前者是「動」的引發原因，而後者則是衍生出「流變」的結果，我們總是隨著時間的變動，穿過一個個不同的空間，映照著每一個當下的自己，時間的流動直接牽動著空間所延伸的變化，時空的「動」與「流變」形成了連動的、不可分割的結合形式。時空概念下人、事與物的流變是階段性的暫存現象，歷經各種發展變化後存檔在記憶中，而這種記憶也只是個虛幻的印象，這些印象都有著記憶自動賦予的索引標籤。這種存在的模式會讓我們在回顧生命時，對過往的種種事件或特定標籤的印象會因時空而轉變，像是時過境遷的不同感受與觀點的改變，它本身就是一種非永恆性的存在。而筆者透過繪畫來創作的過程就是融合了生命中過去種種的經驗與感受，經過當下的構思運作自然揉合而成的，通過手與工具輔助呈現在畫紙上的具體展現。它包含了個人過往的種種所形成的圖像畫面，在當下融合了對過去的解構轉移到當下的重新組成，而賦予了創作作品新的語境與不同詮釋。Item 空間的「視」與「識」─ 簡佑任創作研究(2022) 簡佑任; CHIEN, Yu-Jen本論文以「視」與「識」出發，試圖從現象學方法中「『可見性』的『視』與『不可見性』的『識』」探索「空間」的潛在意義與藝術創作中「空間裝置」的美學意涵。本論文共分為五個章節：在第一章「緒論」的部分，筆者簡述了自身的研究動機、目的、方法與範圍，並概略地對本論文所涉及的相關名詞進行釋義。第二章「學理依據」的部分，筆者試圖勾勒空間現象學的輪廓，試圖理解「空間」在「可見性」外「不可見性」的潛在面向，並將巴舍拉「家屋」的「幸福空間」與傅柯「全景敞視監獄」的「敵意空間」進行比較。第三章「空間裝置的『視』與『識』」的部分，筆者以「可見性」與「不可見性」的視角對「空間裝置」進行探究。此章節以「現成物」的觀念出發，爬梳現象學與低限主義之間的關係，進而探索「水墨」和「媒材」、「空間裝置」之間的關係與展現。第四章「創作實踐與作品分析」，筆者探討了自身創作中「家屋」、「水泥」、「舉牌工人肖像計劃」三個系列。透過創作形式的分析與自身理念的表述，回應筆者三個系列中「家屋」、「廢墟」、「監視」三者之空間意向。最後，在第五章「結論」的部分，筆者總結本論文所探討的核心內容並展望自身未來的創作與研究。Item 失去的邊界-陳佑朋創作論述(2022) 陳佑朋; Chen, Yu-Peng本論文《失去的邊界》其概念是筆者透過研究故鄉的歷史過程，在父母失去龜山島這個歸宿，集體遷居至台灣本島的過去，筆者透過長輩口述後想像，而察覺的「邊界感」，重新審視筆者的創作脈絡而衍伸出的中心思想。藉由研究「邊界」的相關理論以及定其範圍，透過各種表現手法來呈現無形卻無處不在的邊界，並以現在的角度來觀看自己身處的空間，呈現筆者長時間注視的「場所」。在畫面中透過抽離「人」的形象，使作品產生既親近又疏離的氛圍，而出衍伸出邊界感。期望筆者能夠透過畫面重新認知這些空間，成為筆者創作中的核心理念。本論文一共分為五章。第一章緒論:說明研究動機，研究範圍及限制和研究方法。筆者詳述過去的創作脈絡，並說明與論文主題之相關性，其次分析個人創作方式和使用媒材的創作可能性，透過詳細的計劃來擬定往後的創作形式。第二章無處不在的邊界:是對於邊界等相關理論探討，以研究地理空間的邊界，延伸至現代城市中人們心理的「地界」，分別為可視與不可視的邊界。第三章空間中再現邊界:分析並比較藝術家創作中的邊界相關理念，進而闡述筆者作品創作手法和內容。第四章《失去的邊界》系列:筆者將對此系列的作品個別進行問題研究、方式實踐、畫面描述和作品寓意。最後結論:提出筆者對於個人創作的審視、心得和創作之展望。Item 圓形空間下之複數性衍化－徐兆甫的個人曼陀羅演繹(2021) 徐兆甫; Hsu, Chao-Fu現代人生活在充滿競爭的高壓環境中，常讓人壓抑內在的情緒。長期被抑制的情緒一旦潰堤反撲，則可能會導致負面行為的發生。本創作研究之目的在於企圖透過象徵自性的曼陀羅創作結合東方繪畫的運用，讓情緒得以宣洩紓緩並統整。藉由創作歷程擴充自我內在認知，以產生對外在生活適應更寬廣的包容力。 本創作研究從曼陀羅的意義起源與圖像結構開始論述，並就藝術治療、心靈能量及其轉化的機制進行探討，再以創作實際案例分析整理，運用曼陀羅圖像達到平衡。嘗試從曼陀羅之象徵性、形色質之圓滿性、造形之時空觀，探討其造型美感。親自驗證曼陀羅創作在情緒轉化上的成效，並完成曼陀羅的圖像創作。研究中也探討了關於「自我」、「身體、疾病與文化」及「空間心理治療歷程研究」的文獻，期待從較適切且更具東方空間的意涵來觀看自我與改變。身體與空間是研究者在本研究試圖提出的一個觀看視野。 而從文獻回顧中確實可以看到不論從西方學者的論點或是中國傳統的理論，身體無論與視覺、聽覺、觸覺等關係都密不可分。而身體是一個演示自我的場所，個體在進入到一個心理疾病的醫療領域之後，經由筆者的創作與心理空間的對話，演繹出自我之所在的方式。本研究內容架構分為六章，第一章為緒論，包含了本研究動機與目的、文獻探討、研究內容與方法。第二章將運用原型觀點來探討曼陀羅表現了外部，曼陀羅藝術內容意涵之解讀，與曼陀羅繪畫形象化世界也表現內在精神世界，心即曼陀羅、曼陀羅即道場、曼陀羅是個人當下心象表現，再透過符號系統及多重象徵手法探求其曼陀羅象徵表現。第三章從形式上曼陀羅造形特色之分析，開始分析其形色質特性，造型上分析圖型及方型與十字型、三角型之變化，以完型心理學視覺動力論觀點，說明曼陀羅平面之組合，再來探討其色彩表現與質材之美感。第四章造形參照之詮釋，先探討心理曼陀羅所呈現之立體量感，以及曼陀羅在個人繪畫上與其儀式空間之表現，再說明曼陀羅是一種動態之過程，象徵了流動轉滅人生，另外應用碎形理論來分析現代曼陀羅之創作思維，是一種開放、流動之有機體，其具有自我相似、自我複製、形成與轉化等特性。最後探討曼陀羅藝術傳統之開展與在現代藝術之表現。第五章則是個人作品分析，定位曼陀羅之藝術與個人介入角度之水墨多元，並為曼陀羅藝術創作方法與概念論述與作品造形作一定位與分析，第六章則以分析個人特質下的曼陀羅場域實驗結果並體現以上論述梳理後之創作生活寫照。Item 殘留在空間的訊息-吳學勳創作論述(2022) 吳學勳; Wu, Hsueh-Hsun筆者論文「殘留在空間的訊息」，是以「臺灣生存空間」為中心主題，進而以藝術的角度探討環境生態保護議題。在筆者的創作中，是以「空間」來表示人類生存的環境。在筆者的創作中則泛指環境、空間以及作品「所傳逹的內容」稱為「訊息」。「殘留在空間的訊息」係蒐集殘留的紙片、記憶、景像以及腦海的殘留記憶，重新組裝成為畫面進行創作。 筆者創作的作品，就是想以藝術創作的角度探討個人生存的環境以及環保意識的相關議題；站在藝術家的立場看環境生態保護問題，並且用藝術的方式表逹對於環境生態保護的重視及觀點；期望藉由創作的作品所表現或隱喻的臺灣的環境生態訊息，使觀者感覺或接收到該等訊息以及作品隱喻的警訊。 筆者認為藝術家不能抽離社會，藝術家的創作原動力是經由內在的特質發展和社會經驗而產生的。社會性碰壁的困局，會加深其個人存在的本質疏離，一方面讓人表面屈從於日常生活的日復一日；另一方面，卻激發其更為深刻與強烈的藝術創作能量。如能理解現代社會的問題核心，以奧德修斯英雄式的精神去創作藝術，即能在下一刻呈現出新奇的藝術。 筆者研讀藝術史學、美學、藝術與社會等理論，並以之為基礎，延伸及建構理論。「殘留在空間的訊息」系列創作共計14幅。依主題性質分成3個系列。在創作過程中，筆者對於創作作品的主題意涵、形式、構圖、組成元素、色彩、造型技巧以及使用的材料，係以漸進式的方式處理，創作過程中持續檢討並予以必要的增減，注入筆者自身的感情。就創作者的立場而言，任何一個「空間訊息」都要有特殊的內涵，並找出藝術創作的操作定義及建構過程的系統思維。關鍵詞：空間、訊息、環境藝術、環境保護